Edward Hopper est largement reconnu comme le plus important peintre réaliste de l'Amérique du XXe siècle. Mais sa vision de la réalité était sélective, reflétant son propre tempérament dans les paysages urbains vides, les paysages et les personnages isolés qu'il choisissait de peindre. Son œuvre démontre que le réalisme n'est pas simplement une copie littérale ou photographique de ce que nous voyons, mais un rendu interprétatif.
Edward Hopper est né en 1882, à New York, dans une famille de la classe moyenne. De 1900 à 1906, il étudie à la NY School of Art et, pendant ses études, passe de l'illustration aux œuvres d'art. À la fin de ses études, il a travaillé comme illustrateur pendant une courte période ; une fois cette carrière terminée, il a effectué trois voyages internationaux, qui ont eu une grande influence sur l'avenir de son travail et sur le type d'art qu'il allait pratiquer au cours de sa carrière. Il a effectué trois voyages en Europe entre 1906 et 1910. Rétrospectivement, l'Europe signifie pour Edward Hopper la France, et plus particulièrement Paris. Cette ville, son architecture, sa lumière et sa tradition artistique ont eu une influence décisive sur son développement.
Lorsqu'il arrive en 1906, Paris est le centre artistique du monde occidental ; aucune autre ville n'est aussi importante pour le développement de l'art moderne. L'évolution vers la peinture abstraite était déjà en cours ; le cubisme était né. C'est là, en 1907, que Picasso peint ses légendaires Demoiselles d'Avignon. Hopper a cependant affirmé plus tard que lorsqu'il était à Paris, il n'avait jamais entendu parler de Picasso, qui allait devenir si important pour le développement de la littérature moderne. Pour Hopper, la rencontre avec l'impressionnisme a été décisive. La lumière de ces tableaux et le traitement thématique de l'architecture et de la nature l'ont particulièrement attiré et allaient influencer l'ensemble de son œuvre. Sa réaction aux impressionnistes se reflète directement dans son propre art. Il a oublié les intérieurs sombres, semblables à ceux des vieux maîtres, de son époque d'étudiant new-yorkais, alors qu'il était surtout influencé par les grands artistes européens :
Johannes Vermeer, Caravaggio, Rembrandt et Diego Velazquez. L'influence des impressionnistes, tels que Monet, Cézanne et Van Gogh, se reflète directement dans son propre art. Sa palette s'illumine et il commence à peindre avec des touches légères et rapides. Même en 1962, il pouvait dire : "Je pense que je suis toujours un impressionniste".
En 1910, Hopper retourne aux États-Unis, pour ne plus jamais quitter l'Amérique du Nord. Au cours des années 1910, Edward Hopper a eu beaucoup de mal à obtenir une quelconque reconnaissance pour les œuvres qu'il avait créées. Au cours de cette période, un certain nombre de ses œuvres ont été distribuées lors de divers salons et expositions à New York, mais très peu, voire aucune attention, n'a été accordée à ses pièces. La peinture à l'huile était un point central de son travail, mais la majorité des ventes qu'il a réalisées pendant cette période concernaient des œuvres qu'il avait créées en faisant des gravures et des peintures murales.
À l'âge de 37 ans, Edward Hopper a reçu sa première invitation à faire une exposition personnelle, présentant certaines de ses plus belles œuvres d'art. Seize de ses œuvres ont été présentées au Whitney Club et, bien qu'aucune de ses œuvres n'ait été vendue lors de cette exposition, celle-ci a orienté sa carrière dans une nouvelle direction, elle a permis de faire connaître ses œuvres au grand public et il est devenu un nom plus notable dans le type d'œuvres et les formes d'art sur lesquels il souhaitait le plus axer sa carrière, pour les œuvres futures qu'il créerait.
Quelques années plus tard, Edward Hopper constate que sa carrière s'est améliorée et qu'il obtient de bons résultats commerciaux et financiers avec les œuvres qu'il a créées. Il a été invité à faire une deuxième exposition personnelle, afin de présenter de nouvelles œuvres et de faire parler de celles qu'il avait créées ces dernières années. Cette deuxième exposition a lieu à la Frank KM Rehn Gallery de New York, et reçoit beaucoup plus d'attention et une foule beaucoup plus nombreuse, en raison de l'endroit où se déroule l'exposition, et aussi parce que davantage de personnes sont désormais au courant des œuvres qu'Edward Hopper a créées.
House by the Railroad (Maison près du chemin de fer) est un tableau célèbre de l'artiste, qui fut la première œuvre acquise par le Museum of Modern Art, récemment ouvert au public. L'éclairage fortement défini, les lignes clairement définies et les points de vue recadrés sont quelques-unes des caractéristiques de cette œuvre d'art, qui incarne le style qu'Edward Hopper utilisera plus tard dans sa carrière et dans les œuvres qu'il produira au cours de sa carrière d'artiste.
En 1923, Edward Hopper épouse une camarade de classe de la NY Academy où il a fait ses études, Josephine Nivision. Non seulement elle a posé pour près de la moitié des figures féminines qu'il a créées au cours de sa carrière, mais elle l'a également encouragé et poussé à s'engager dans différentes formes d'art au cours de sa carrière. Elle l'a poussé à travailler à l'aquarelle et a tenu des registres de toutes les pièces qu'il a conçues, des expositions auxquelles il devait participer et de toutes les ventes des pièces réalisées lors de ces expositions.
En 1933, Edward Hopper reçoit de nouveaux éloges pour les œuvres qu'il a réalisées et pour une pièce exposée au Museum of Modern Art. Son style très identifiable et la maturité de ses styles de peinture sont quelques-unes des choses pour lesquelles il s'est fait connaître au cours de cette période. Les magnifiques paysages, les pièces calmes et les pièces vides qu'il a conçus, et l'effet éphémère que beaucoup de ses œuvres posent, ont créé un sens de la vie contemporaine et un nouveau style, que beaucoup dans le monde de l'art ont reconnu, et beaucoup l'ont loué pour ce style distinct qu'il avait créé dans ses formes d'art.
Dans l'œuvre la plus célèbre d'Edward Hopper, Nighthawks, quatre clients et un serveur se trouvent dans un restaurant éclairé la nuit. Cette œuvre a été créée en temps de guerre et beaucoup pensent que leur déconnexion avec le serveur et le monde extérieur représente les sentiments de nombreux Américains à cette époque, en raison de la guerre. L'œuvre a été installée en 1942, à l'Art Institute of Chicago, et a été vue par de nombreuses personnes alors qu'elle était exposée pour une exposition.
Entre les années 1930 et 1950, Edward Hopper et sa femme ont passé beaucoup de temps, et la plupart de leurs étés, à Cape Cod, dans le Massachusetts.
Hopper a perdu la faveur de la critique dans le sillage de l'expressionnisme abstrait. Parmi le nouveau mouvement artistique d'avant-garde apparu au début des années 1940, des artistes tels que Willem de Kooning, Jackson Pollock et Mark Rothko ont fait des inventions formelles audacieuses dans une recherche de contenu significatif. En rompant avec les conventions acceptées, tant au niveau de la technique que du sujet, ces artistes ont réalisé des œuvres de taille monumentale qui étaient le reflet de leur psyché individuelle et qui tentaient de puiser dans des sources intérieures universelles.
Mais Hopper continue de peindre le sentiment familier à la plupart des humains - la tristesse ancrée dans l'existence, dans notre connaissance intime de la solitude du moi.
Hopper n'a cependant jamais manqué d'attrait populaire et, au moment de sa mort en 1967, une nouvelle génération d'artistes réalistes américains s'était emparée de son influence majeure.
Source: Edward Hopper.net
Photo: Google art